{"id":3141,"date":"2019-02-03T15:26:12","date_gmt":"2019-02-03T14:26:12","guid":{"rendered":"http:\/\/www.clementinagily.it\/wolf\/?p=3141"},"modified":"2019-05-14T18:27:18","modified_gmt":"2019-05-14T16:27:18","slug":"design-disegno-o-progettazione","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.clementinagily.it\/wolf\/design-disegno-o-progettazione\/","title":{"rendered":"DESIGN: disegno o progettazione"},"content":{"rendered":"

di Enrica Alifano<\/p>\n

\"Paolo<\/a>
Paolo Uccello, Studio di Vaso in prospettiva<\/figcaption><\/figure>\n

Secondo i vocabolari italiani il termine inglese <\/span>design<\/span><\/i> viene dal francese <\/span>dessein<\/span><\/i>, che a sua volta deriva dall\u2019italiano \u201cdisegno\u201d e quindi dal latino <\/span>design\u00e0re<\/span><\/i>, letteralmente inteso come \u00abritrarre per via di segni la forma di un oggetto\u00bb, ma anche come \u00abtracciare nella mente le linee principali di un lavoro\u00bb. La traduzione pi\u00f9 corretta del vocabolo inglese potrebbe essere quindi \u201cprogetto\u201d o \u201cprogettazione\u201d, termini che esprimono figurativamente il concetto di \u00abmettere avanti, il collocare nella vasta area del futuro che ci sta innanzi, una proposta, un\u2019idea, una congettura\u00bb.<\/span><\/p>\n

Nel Medioevo, il disegno rappresentava un momento fondamentale nella formazione degli apprendisti pittori, che si esercitavano a copiare i modelli forniti dal maestro, solitamente dei fac-simile di opere antiche o i repertori di forme decorative in uso nella bottega; sebbene le fasi di progettazione dell\u2019opera si siano mantenute pressoch\u00e9 invariate nel tempo, \u00e8 nel Quattrocento, con lo studio dal vero e la nascita della prospettiva lineare, che il disegno si decodifica quale disciplina basilare per ogni pratica artistica. <\/span><\/p>\n

Degli artisti del Rinascimento come Pisanello, Paolo Uccello, Gaudenzio Ferrari ci resta una mole consistente di schizzi e bozzetti, dai quali si percepisce non solo il concetto di progettualit\u00e0, ma anche il rapporto che sussiste fra la prima idea, spesso indeterminata, e l\u2019opera finita. A tal proposito va messa in evidenza l\u2019acuta osservazione di Luigi Grassi, collezionista e studioso dell\u2019arte del disegno, secondo cui \u00ablo schizzo, nell\u2019apparente confusa trama del tratteggio, propone alla \u201cautocritica\u201d di un artista soluzioni diverse, che esibiscono il \u201cdivenire\u201d del processo espressivo e possono insieme costituire espressione esteticamente valida\u201d\u00bb.<\/span><\/p>\n

A Firenze, patria dei grandi trattati d\u2019arte, Cennino Cennini parlava del disegno come fondamento pratico di tutte le arti, e Leon Battista Alberti lo identificava come la linea di contorno (<\/span>circoscriptio<\/span><\/i>),<\/span> <\/i>un\u2019operazione preliminare rispetto all\u2019applicazione della prospettiva e del chiaroscuro. Ma se fino a questo momento il disegno sembra occupare ancora una funzione ancillare rispetto alle arti maggiori, con lo svilupparsi delle dottrine neoplatoniche esso diventa atto mentale assoluto e disgiunto dall\u2019esecuzione materiale dell\u2019opera.<\/span><\/p>\n

Con Leonardo la pratica disegnativa inizia ad essere valutata per la sua intrinseca predisposizione, diventa vera e propria indagine della realt\u00e0 e, soprattutto, acquisisce un valore documentario quale prova tangibile di una mentalit\u00e0 diversa in cui arte e scienza si mescolano perfettamente. Con la nascita della stampa e delle incisioni, il disegno acquista i caratteri di ripetibilit\u00e0 e diffusione, elementi propri di un\u2019economia innovativa e specchio di un\u2019embrionale societ\u00e0 di massa. A tal proposito, \u00e8 interessante riportare un aneddoto presente nelle <\/span>Vite di Vasari<\/span><\/i>, in cui l\u2019autore ci parla dei \u201cModi\u201d, termine utilizzato per indicare una serie di opere realizzate da Giulio Romano e diffuse tramite incisioni da Marcantonio Raimondi. Ci troviamo in pieno periodo controriformistico e Federico II, marchese di Mantova, commissiona al noto pittore e architetto una serie di dipinti dal contenuto licenzioso per adornare il Palazzo Te. La natura della commissione di per s\u00e9 non desta particolare indignazione perch\u00e9 non rappresenta elemento di novit\u00e0 tra le cerchie ristrette e facoltose delle corti italiane; l\u2019aspetto peculiare della vicenda \u00e8 che successivamente, il noto incisore Marcantonio Raimondi, \u2013 per sua iniziativa, ma probabilmente con il bene placito di Giulio Romano \u2013 ricav\u00f2 da quelle figure delle matrici e ne stamp\u00f2 delle copie distribuendole clandestinamente in tutta Europa. Nel 1524 il Raimondi viene arrestato dalle guardie di papa Clemente VII e imprigionato. La conclusione sembrerebbe evidente: il pontefice pun\u00ec l\u2019incisore per i contenuti delle stampe, ben lontani dai rigidi canoni della Chiesa cattolica, che in quel momento era particolarmente bersagliata dall\u2019opposizione. E allora perch\u00e9 Giulio Romano non fu coinvolto nelle accuse, pur essendo egli l\u2019effettivo artefice dei dipinti? Ebbene, il problema non risiede tanto nella scelta figurativa, quanto nella diffusione di quei contenuti su cos\u00ec larga scala attraverso un modo di procedere e di disegnare pensato per funzionare e avere successo nella grande distribuzione.<\/span><\/p>\n

La vicenda di cui fu protagonista Raimondi \u00e8 ovviamente solo uno degli esempi utili a comprendere la nascita di una nuova societ\u00e0 industriale, in cui le immagini e la loro diffusione giocano un ruolo fondamentale grazie alla loro riproducibilit\u00e0 tecnica. Circa quattrocento anni dopo Walter Benjamin, considerando la possibilit\u00e0 fornita dalle nuove tecnologie di riprodurre un\u2019opera in luoghi e tempi sempre diversi, parler\u00e0 della perdita dell\u2019<\/span>aura<\/span><\/i>, della sua unicit\u00e0 in quanto pezzo unico. Se rapportiamo il pensiero di Benjamin all\u2019invenzione della stampa, pi\u00f9 che la perdita di un originale, potremmo parlare della perdita di un\u2019origine, <\/span>una matrice da cui vengono ricavate poi le singole istanze dell\u2019opera, le copie.<\/span> S<\/span>e Raimondi, quindi, si era limitato ad \u201cricopiare\u201d, un altro artista invent\u00f2 opere che erano pensate direttamente per la stampa: Albrecht D\u00fcrer, infatti, affiancava all\u2019attivit\u00e0 di pittore un\u2019intensa attivit\u00e0 di disegnatore, che rispondeva benissimo alle richieste della societ\u00e0 tedesca attraverso una produzione molto varia fatta di xilografie pi\u00f9 economiche per il pubblico popolare e di incisioni a bulino pi\u00f9 costose e ricercare per la borghesia colta. Se quindi Gutenberg aveva modernizzato il sistema per stampare le parole, il suo connazionale D\u00fcrer lo aveva fatto per le immagini.<\/span><\/p>\n

Dobbiamo per\u00f2 aspettare il Settecento prima che l\u2019arte grafica acquisisca una certa autonomia rispetto alla pittura. \u00c8 interessante il caso di Katsushika Hokusai e Kitagawa Utamaro, due dei pi\u00f9 celebri rappresentanti della scuola giapponese dell\u2019Ukiyo-e. Si tratta di artisti che lavoravano su supporti cartacei come libri, cartoline e poster, sui quali imprimevano disegni raffiguranti scene e personalit\u00e0 che popolavano i quartieri del divertimento delle citt\u00e0 di Tokyo e Kyoto. Le opere venivano pensate \u2013 o progettate, appunto \u2013 per essere direttamente incise, stampate e soprattutto vendute ad un mercato vario, ma al contempo molto selezionato, come quello dei cittadini meno facoltosi che non potevano permettersi dei veri dipinti.<\/span> La rapida diffusione in tutta Europa di queste stampe, che prese poi il nome di Giapponismo, \u00e8 la prova lampante di quanto questa strategia di marketing ante litteram avesse effettivamente un potenziale unico e inedito: le incisioni iniziarono a circolare velocemente, segnando la carriera artisti come Van Gogh, Monet, Manet, Klimt, a loro volta rappresentanti di una produzione artistica basata su tecniche ormai pi\u00f9 industriali che artigianali.<\/span><\/p>\n

Oggi il termine <\/span>design <\/span><\/i>viene utilizzato in una grande variet\u00e0 di contesti, ma per lungo tempo, soprattutto in Italia, il suo significato \u00e8 stato associato piuttosto a quello di \u201cdisegno industriale\u201d, sottolineandone la validit\u00e0 tecnica e materiale. Gi\u00e0 William Morris con il movimento dell\u2019<\/span>Arts and Crafts<\/span><\/i> aveva tentato di modernizzare ed emulare il lavoro artigianale delle manifatture medievali tramite l\u2019utilizzo di macchinari, ma \u00e8 con il Bauhaus che ebbe inizio una vera e propria rivoluzione culturale. L\u00e1zl\u00f3 Moholy-Nagy, docente della scuola a Weimar, interessato alla tipografia, al cinema e alla fotografia, sosteneva che proprio l\u2019industrializzazione e la comparsa delle nuove tecnologie avrebbero liberato l\u2019arte dal predominio del pezzo unico, considerando quindi la produzione seriale non solo dal punto di vista riproduttivo, ma anche produttivo e addirittura estetico: \u201cla riproducibilit\u00e0 come poetica, come forma espressiva della modernit\u00e0\u201d. \u00c8 proprio nella diversit\u00e0 di impiego dei mezzi di rappresentazione che risiede l\u2019unicit\u00e0 del rapporto problematico fra disegno e progettazione.<\/a><\/span><\/p>\n

GF Alifano Design o Progettazione<\/a><\/p>\n

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